EL CINE REV[B]ELADO: CINE SIN CORSÉS via Madriz

Natalia Piñuel y Enrique Piñuel via Madriz

——

Foto: Maxime Bouchard.
Projectors_photocredit_Maxime_Bouchard_04
El cine como lo conocemos está muy encorsetado. Sus posibilidades de explorar son muy numerosas más allá de la sala de cine y eso es justo lo que quiere demostrar este proyecto, que se pueden explorar nuevas formas de narración. Los comisarios del ciclo “El cine rev[b]elado” son Natalia y Enrique Piñuel, que están detrás de Playtime Audiovisuales, y son ellos los que explican de qué va esta andanza que nos espera a partir del domingo en el Centro de Arte Dos de Mayo.

 ¿Qué se va a encontrar el público?

La gente que asista a “El cine rev[b]elado” se va a encontrar una serie de propuestas performativas, todas ellas estrenos en Madrid, en las que partiendo de conceptos cinematográficos se busca transgredir precisamente los límites tradicionales del cine, ya sea rompiendo con el relato como eje fundamental sobre el que gira la propuesta, desbordando el marco de la pantalla como espacio de proyección o abandonando la sala oscura. En definitiva, propuestas que entiende el cine no como un formato, ni siquiera como un lenguaje, sino como una expresión artística más amplia y multidisciplinar.

 

¿Qué diferencias hay respecto de la primera edición, teníais una misma idea desde el principio?

Sí, desde la primera edición en el 2014 y desde que empezamos a plantearnos el proyecto en sí mismo teníamos claro que queríamos ir más allá de conceptos como “cine experimental” o “cine expandido”, proponiendo en cada sesión una experiencia cinematográfica diferente. Así que en esta segunda edición seguimos trabajando en la misma línea de actuación que en la primera, la de interrelacionar el cine con otras disciplinas artísticas. Para esta edición incorporamos danza, media art y arquitectura expandida, disciplinas que no tuvieron cabida en la primera edición. Otra novedad con respecto a la primera edición es la participación de artistas internacionales, contamos con la presencia del canadiense Martin Messier, la australiana Sally Golding y el portugués Pedro Maia.

 

Decís en la explicación que proponéis “un cine que no tiene por qué materializarse en una película”. Varía demasiado el concepto que se tiene de cine, ¿no?

Sí, de forma convencional todos entendemos el cine como una película. Y es que el cine es un elemento de comunicación tan potente que en seguida fue absorbido por la industria, quien encorsetó las imágenes en una sala como mero producto de consumo. De alguna manera con “El Cine Rev[b]elado” buscamos liberar las imágenes, las historias y le damos una vuelta a las formas de contar, intentando crear experiencias cuya base sea el hecho audiovisual, pero que no se tengan por qué cerrar a un único formato, que es el de la película tradicional.

 

¿Qué tiene este tipo de “cine”? ¿Cómo es su forma de emocionar?

El hecho más significativo es la creación de la experiencia fílmica. Las distintas actividades que conforman “El Cine Rev[b]elado” suceden “aquí y ahora”. También son propuestas que no se han visto hasta ahora en Madrid, con lo que el espectador se encuentra ante algo nuevo y sugerente cada semana. Son actividades, además, que desbordan los sentidos más allá de lo visual y que incitan a la curiosidad y la participación del espectador. No quiere decir que el público asistente “tenga que hacer cosas durante las sesiones”, sino que, después de venir a ver todas estas propuestas, cambiará su concepto de cine y su relación con las imágenes. Como ejemplo más claro de “emoción” tenemos por ejemplo el trabajo de Víctor Iriarte, que estuvo con nosotros la primera edición con “Lisboa” y en esta ha preparado una performance colectiva donde literalmente dormiremos con él (la noche del 23) en el Museo. Víctor activa en sus actuaciones recuerdos personales, se expone ante el espectador y esto genera una empatía difícil de explicar, porque resulta puramente emocional y sincera. Lo mismo con Txalo Toloza que estará también esta edición. Al acabar cada una de sus performances sientes que formas parte de su vida desde ese momento. Son trabajos que emocionan porque están hechos desde la honestidad.

 

¿Es compatible este tipo de performances con el cine mainstream en un mismo proyecto?

En este proyecto en concreto no serían muy compatibles, ya que en “El cine rev[b]elado” intentamos romper con esos rasgos característicos del cine mainstream, y ya no sólo con lo que entendemos por cine más comercial, sino romper con todo tipo de cine que se materializa en una película, como veníamos diciendo. Planteando una forma diferente de entender el arte cinematográfico.

 

¿Qué le falta a Madrid en lo que a opciones de cine se refiere?

En Madrid, pese a todo, aún contamos con una buena oferta cinematográfica y buscando, buscando, se puede encontrar un interesante abanico de películas en los diferentes espacios de proyección de la ciudad. Sin embargo, todavía hay ciertas propuestas, las más arriesgadas, que se dan de forma muy esporádica. Quizás lo que más en falta echemos sea una mayor regularidad en las programaciones de este tipo de obras, ya que éstas suele estar vinculadas, fundamentalmente, a unos pocos eventos de carácter efímero.

Anuncios

Restos de escena #1

flyer_restesdeescene

¿Que queda de nosotros en el campo de batalla luego de dejarnos la piel y de agotar la pasión?. ¿Que plano dibujan las marcas que han dejado nuestros cuerpos?.¿De qué hablan las ruinas de lo que quisimos ser?
Restos de escena #1 es una colección de fotos de pequeño formato tomadas con teléfonos móviles en escenarios de todo el mundo. Una serie de imágenes que bucea entre las huellas que quedan dispersas sobre el escenario una vez acabada la función.

Como dice la nota de prensa de la exposición llevo los 6 últimos años de mi vida viajando continuamente debido a mi trabajo. Lo que no dice es que siempre llevo conmigo 2 teléfonos móviles con las baterías cargadas y la memoria libre y que con ellos grabo y fotografío continuamente todo, sin planificarlo lo más mínimo y sin pensarlo dos veces. Así me he grabado bailando y llorando en baños de avión, he perseguido desconocidos durante horas, me he enfrentado al viento al desierto y a la soledad de la Patagonia y así también no he parado de fotografiar los restos que quedaban de la escena de decenas de espectáculos que he ido a ver allá donde estaba. De Ze Celso en la sede de Teat(R)o Oficina en Sao Paulo a Quim Pujol en la que fue su Casa Museo hace ya casi un lustro.

Nunca pensé hacer nada con estas fotos más que una carpeta en mi perfil de Facebook. Hasta que tuve la intuición de que era hora de enseñar el archivo y las chicas de Antic Teatre tuvieron la intuición, sin siquiera ver las fotos, que había que hacerlo en su casa. Y ya casi llegó el día.

Os espero a todas este sábado a las 22hs, luego del espectáculo de Bea Fernández, a inaugurar la primera exposición de nuestros Restos de Escena.*

Ahí nos vemos.

T*

*Y de paso a ver la final de la Copa América de fútbol.

Pacífico 1. Proximamente en Antic Teatre

pacifico_antic

Para algunos de nosotros esto de traer público a ver una de tus piezas esta cada vez más complicado. Y esto es un problema grande porque en lo personal trabajar para nadie no me agrada, me cansa y deprime. Y si a esto le sumas que no tienes un caché fijo y vas a taquilla pues aún peor. Así que aunque falta un mes para que presente en el Antic Teatre de Barcelona  “Pacífico #1. América es un mar con otro nombre” desde hoy me pongo con la promoción. Que también me cansa, pero…

Nacida de un encargo hecho por el Festival Influx de video en escena “Pacífico #1” es la primera pieza de mi siguiente proyecto y por primera vez una de mis series no comienza siendo un audiovisual si no que empieza con una pieza escénica. Aunque esto es relativo y casi una mentira, porque en sí “Pacífico#1” es un audiovisual escénico, un documental pensado para ser visto en un escenario, con todo lo que eso conlleva.

Este trabajo es una co-producción entre Miprimerdrop y Belar Gorria – Hierba Roja y es distribuida por Ramona Lion para La Sauna International. Lo que quiere decir que es 100% independiente.

La imagen del diablo es obra de mi querido Francisco Papas Fritas y pertenece a su serie Folcklor insurrecto.

 

El movimiento de la cámara en Transversales, México.

Captura de pantalla 2014-07-23 a la(s) 12.32.26

Sobre como UNO + UNO son 3.

Desde hace años la videodanza o movimiento para la cámara se ha consolidado como un género más o menos recurrente dentro del mundo de las artes escénicas híbridas. A menudo escuchamos hablar de “Dance for camera” o “Dance for screen”. Desde nuestra manera de afrontarlo nos parece más correcto llamarlo “DanceWithCamera”.

Moverse con la cámara o con otro soporte de captura te hace pensar al mismo tiempo en tu movimiento y en el de la cámara. Te hace reflexionar en tiempo presente sobre la construcción de planos, encuadres, enfoques y trayectorias que resultan del trabajo conjunto. Tú y la cámara sois todo a la vez.

“Pensando en un pas de deux entre cámara y perfomer, no en un solo para cámara”.

3 cuerpos.

Cuerpo-performer: Es el cuerpo que se mueve y realiza y se supedita al objetivo.

Cuerpo-cámara: Es el cuerpo que lleva la cámara, se mueve y realiza.

Cuerpo-máquina: Es el cuerpo, suma de chasis y objetivo, que registra, se mueve o performa y realiza.

Tus movimientos dirigen la secuencia definiendo el espacio, el tiempo y los objetos que se capturan.

Para nosotros la cámara ha dejado de ser un simple objeto utilitario para adoptar una nueva forma de fisicalidad en escena, para formar un tercer cuerpo, un cuerpo-máquina que además de ser performado performa, se mueve y realiza. Una cámara que transita de objeto a cuerpo y que aporta otro tipo de resultados.

Como tal intentamos comprender cómo se mueve ese cuerpo antes de intentar que se mueva como nosotros queremos. ¿Cómo se mueve, cuánto pesa, cuánto tardan sus recorridos, cuántos golpes resiste?.

Reconocemos entonces tres cuerpos, tres realizadores, tres entidades que proponen materiales, que performan y son performados: el cuerpo-performer, el cuerpo-cámara y el cuerpo-máquina.

———————

EN TRANSVERSALES:

Del 5 al 9 de agosto de 10 a 15hs

Centro de las Artes, San Luis Potosi

Inscripciones hasta el 27 de julio en: www.transversales.mx

#mobileviewsBarcelona en Lima.

 382277_552292384788556_1852639938_n

Espacio Fundación Telefónica Lima presenta #mobileviewsBarcelona, proyecto curado por Lorea Iglesias (España).

En febrero del 2013, cientos de códigos QR repartidos por la ciudad de Barcelona (España), dieron acceso a una exposición online de videoarte creado con dispositivos celulares y pensada para que desde las calles el público la pudiera disfrutar en su propio celular, gracias al uso de estos códigos QR y los celulares que llevamos encima, la ciudad se convirtió en una pantalla pública que acercaba la creación más contemporánea a sus ciudadanos para que accedieran fácilmente a ella como, cuando y donde quieran.

La presente exposición recoge todos los videos que conformaron el proyecto, los cuales estaban inspirados en la ciudad, incluye además material de registro e información adicional sobre cada pieza.

Artistas: Bruno Peláez, TxaloToloza-Fernández, Jimmie Juárez, Pere Cortacans, Santiago Pinzón, Anna Arcas y Miguel Aguirre, Ángel Méndez, Àlex Agustí, Mateo Austin, Judith Belmonte Rivera, Lidia Mombiela.

Los esperamos este miércoles 9 de julio a las 7:30 pm. en la presentación de la muestra que estará en exhibición hasta el domingo 10 de agosto.